taller acting animadores

Animacting en Mundos Digitales 2017

Hace unas semanas, Mos Teatre llegaba a A Coruña para recoger las acreditaciones de Mundos Digitales 2017, el congreso internacional de animación, VFX, RV y arquitectura digital, un evento referencial para la industria de la animación. Nuestro objetivo: impartir un taller teórico-práctico de nuestro proyecto Animacting, el programa formativo de interpretación creado por nuestra compañía específico para animadores. Aunque llevamos mucho tiempo investigando, en la práctica, nuestro proyecto es relativamente joven, por lo que, antes de empezar una clase, masterclass o taller siempre te invaden esos nervios sobre qué aceptación tendrá o cuál será la reacción de los asistentes (animadores en su mayoría en este caso).

taller acting animadores

Durante todo el día habíamos estado haciéndonos a la idea de que iba a ser una actividad minoritaria dentro de un evento con muchas ofertas, sin ir más lejos, varios de nuestros alumnos que asistían también al evento nos comentaban que no podrían estar en la clase debido a las magníficas propuestas que ofrecía Mundos Digitales para los animadores en cuanto a conferencias sobre todo, pues al parecer, coincidíamos con una ponencia de algunos profesionales de la empresa El Ranchito, responsables de los VFX de Juego de tronos, por ejemplo. Vamos, complicado. Aunque nosotros no nos desinflamos, pensando que en la variedad de propuestas interesantes siempre hay público para todo.

taller acting animadores

La misma tarde del evento, hablamos con Manuel Meijide, director del evento y convenimos que lo mejor será llevar nuestro taller a una sala pequeña, con un aforo máximo de unas cincuenta personas. Y entonces llegó la sorpresa. A escasos minutos de empezar el taller, mientras probábamos sonido y ultimábamos algún detalle, una chica de la organización entraba en la habitación con cara de susto y nos decía “¿Habéis visto lo que tenéis ahí fuera?”, nos asomamos al hall y casi se nos salen los ojos de las órbitas, una cola de varios centenares de personas esperaban ansiosos el inicio del taller Animacting. Al principio no lo creíamos, pero uno de los responsables de organización, volvió a salir y se aseguró de que todas aquellas personas tenían intención de asistir a nuestra actividad. Fue un momento de euforia contenida, pero entonces empezó el caos: ¿Dónde íbamos a meter a toda esa gente?.

taller acting animadores

El director, Manuel Meijide, medio en broma, medio en serio, nos “sermoneaba” diciendo que la culpa era nuestra por infravalorar nuestro potencial y el del evento, tenía toda la razón, pero, ¿quién iba a esperar esa acogida?. Horas después, cervezas en mano, bromeábamos sobre la caótica situación y el propio Manuel nos decía: “¡Cobardes! Aquí moriremos todos, pero moriremos de éxito”. Afortunadamente, la organización tuvo una reacción rápida y eficaz. Consiguieron desalojar una de las plantas del edificio para meternos allí con lo que al final serían muchísimos profesionales de la animación expectantes y entregados a nuestro proyecto y pudimos realizar el taller de acting para animadores con éxito.

Cientos de ojos atentos e interesados nos miraban con atención. Empezábamos pidiendo disculpas por el lío que se había montado y seguíamos explicándoles nuestra presencia allí. Somos Majo Giménez y Javi Alfonso, de la compañía Mos Teatre, de València, y estamos aquí para explicaros nuestro proyecto y hablaros sobre la importancia de la interpretación en la animación. 

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Poco a poco, y sobre todo, después de hacer alguna demostración práctica, los asistentes iban entrando en nuestro discurso y emocionados, iban participando discretamente hasta entregarse completamente en alguna loca improvisación que les propusimos para enseñarles nuestra forma de trabajar y las cosas que hacemos en clase.

taller acting animadores

El taller terminó con un discurso de ánimo por nuestra parte; tenéis la responsabilidad de seguir creciendo – les decíamos.- De hacer crecer vuestros personajes y vuestras historias. Tenemos una industria fantástica que os necesita. Todo acabó con unos aplausos que duraron el tiempo necesario para darnos cuenta de que aquello había funcionado. Al acabar la clase y durante las horas siguientes, varias de las personas que habían asistido, nos felicitaban y se interesaban por los próximos cursos del proyecto Animacting que tenemos entre manos.

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Mos Teatre volvió a València con una gran satisfacción, pensando en lo grande que es el pequeño proyecto que tenemos entre manos, que cada vez estamos llevando más lejos y que por supuesto, vamos a seguir luchando para que siga creciendo.

¡Estad atentos! Los próximos talleres Animacting llegarán a Barcelona y València próximamente. 

Fotografías: Mundos Digitales.

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Taller ANIMACTING en Mundos Digitales

Animacting, el proyecto de Mos Teatre de formación actoral específica para animadores viaja hasta A Coruña. Impartiremos un taller de acting dentro de la programación oficial del evento internacional de animación Mundos Digitales 2017. En este evento, se reúnen los más grandes profesionales del mundo de los videojuegos, FX y por supuesto, la animación, por lo que es un marco perfecto para un nuevo taller de acting para animadores.

acting para animadores

Estamos muy emocionados por asistir como invitados a este evento, ha sido un camino largo y sabemos que aún queda mucho por hacer hasta que se le dé la verdadera importancia que tiene la actuación para la industria de la animación. Así que ya sabéis, si pensáis asistir al evento y queréis pasar al siguiente nivel y profesionalizar más vuestros personajes y animaciones, no os podéis perder el taller Animacting de Mos Teatre. ¡Os esperamos, Animactors!

¿Qué es Animacting?

 

Arranca el nuevo taller ANIMACTING Valencia

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Hace unos días empezábamos, como siempre con toda nuestra ilusión, el nuevo taller Animacting, esta vez, en casa, y es que éste es el segundo taller de acting para animadores que Mos Teatre realiza en Valencia.

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Después de la más que satisfactoria experiencia del primer taller en nuestra ciudad, hemos llevado más allá nuestra investigación y les hemos propuesto a los animadores un taller más centrado en la práctica de actings completos y realizando escenas cinematográficas combinando el trabajo textual (extraer claves para nuestros personajes) y el físico, centrándonos en los matices específicos que requiere la formación actoral de los animadores.

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El animador ha de sentir que la actuación es algo primario, fácil, algo que les nace de las tripas y que pueden recurrir a ella en cualquier momento que necesiten, por eso, a la hora de enfrentarse a un acting, deben tener claros varios principios.

ANIMACTING | Acting para animadores

Qué plano vamos a trabajar, cómo es nuestro personaje y conocer su conflicto son algunos de esos principios. Pero lo más importante tanto para los animadores como para (según nuestro punto de vista) todo aquel que quiera acercarse a la actuación es: Escuchar y Reaccionar.

ANIMACTING | Acting para animadores

De momento, los animadores están armados de valor y van pasando con éxito y profundidad por todos y cada uno de los ejercicios que les proponemos. ¡Bravo, Animactors!

ANIMACTING: Taller de acting para animadores en Valencia

Vuelve a Valencia ANIMACTING, el programa de interpretación específico para animadores de Mos Teatre.

Después de dos talleres en Valencia y Madrid, volvemos a nuestra ciudad para ofrecer la oportunidad a los animadores de que adquieran herramientas expresivas desde las claves de un actor/actriz para mejorar sus personajes y referencias.

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CONVOCATORIA TALLER ANIMACTING VALENCIA

Lugar: Espacio Inestable (C/ Aparisi y Guijarro, 7, Valencia)

Fecha: Del 22 de abril al 24 de junio de 2017.

Horario: Sábados de 11 a 13h.

Si deseas recibir más información sobre este taller de Acting para animadores, envíanos un mail a mosteatre@gmail.com

¿Qué es ANIMACTING?

Mos Teatre ha creado el proyecto Animacting, un programa formativo específico para animadores en el que podrán encontrar las herramientas necesarias para enfrentarse a un personaje o situación desde las claves de un actor mediante la conciencia corporal y expresiva, para que más tarde puedan trasladar ese trabajo al ordenador.

El aprendizaje es eminentemente práctico y tratará de acercarse a los conceptos básicos e imprescindibles de la actuación. El planteamiento fundamental de la formación será incidir en el trabajo en grupo para poder colaborar entre todos y ayudarse unos a otros.

ANIMACTING: LLevamos nuestro taller de acting a Madrid

Por Javi Alfonso.

Actuar es siempre atreverse, dar un paso, pero cuando además no es tu oficio, exige de una valentía extrema. Eso es lo que han hecho los intrépidos alumnos del primer taller ANIMACTING, acting para animadores que Mos Teatre ha realizado en Madrid.

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El reto era el siguiente: proponer nuestro programa específico de interpretación para animadores en un taller intensivo de 12 horas en dos sesiones. Los animadores iban comprendiendo, aceptando y asimilando las claves que se les iban entregando sobre la profesión del actor con el fin de que pudiesen utilizarlas para sus referencias y mejorar su expresión facial y corporal en general.

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Majo y yo les preguntábamos, preocupados por ellos en todo momento, si el ritmo era demasiado asfixiante o si la lluvia de conceptos que caía sobre ellos era abrumadora, la respuesta de los chicos nos mostraba su optimismo y tolerancia hacia unas disciplinas que no se les suponen y que son un mundo desconocido para ellos. Es gracioso cuando afirman que un animador no puede ponerse en la piel de un actor, “el animador es vergonzoso”, dicen. Bueno, ¿y qué? ¿Acaso no hay actores o actrices vergonzosas? La timidez o la vergüenza no tiene nada que ver con aceptar la responsabilidad de querer enriquecer los personajes que creamos y para eso, estaban los alumnos en el taller.

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Un taller, de la duración que sea, es siempre una oportunidad para crear, aprender y divertirse, pero no sólo para los alumnos, sino también para nosotros los docentes, que vemos como generosos, nos entregan algo tan importante como es el talento y aprendizaje.

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Animacting, al igual que todos nuestros proyectos pedagógicos están en continua evolución y para eso, necesitamos de la opinión de los alumnos. Por eso, en todo momento, tras cada ejercicio, les consultábamos cómo vivían el proceso del taller.

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“Nos ha resultado muy completo y útil” coincidían todos los asistentes al curso. No podríamos estar más satisfechos y orgullosos del transcurso de esta última aventura de Mos Teatre.

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El próximo taller de ANIMACTING comenzará en Valencia el próximo mes de abril. A lo largo de los próximos meses iremos anunciando los próximos destinos donde llevaremos nuestro proyecto. Así que… ¡Atentos, Animactors!

Despedimos el primer taller ANIMACTING

Esta semana finalizó el primer taller de Animacting en Valencia. La sensación que nos queda no podría ser más satisfactoria. Los Animactors han dado un salto de fe y se han puesto en la piel de un oficio que no les corresponde (pero que necesitan) para conseguir claves que les ayuden en el desarrollo de la actuación de sus personajes.

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Crear un personaje es una responsabilidad y los alumnos de este taller la han asumido. Han dedicado su tiempo y esfuerzo a descubrir que puede hacer la interpretación por ellos y por su trabajo. El proceso, en ocasiones “extraño” para alguien ajeno a la profesión del actor, les ha llevado a sorprenderse ellos mismos de los resultados obtenidos. Y es que, los matices que han surgido en estas clases han sido inesperados y fascinantes.

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Hablamos de responsabilidad, la de dar la importancia que merece la interpretación para la animación. Una responsabilidad en ocasiones maltratada y malentendida en esta industria, pero que poco a poco, va cobrando el valor que merece.

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Este taller tenía un objetivo complicado, por una parte, era el primer taller independiente de Animacting y casi nos atreveríamos a decir que el primer taller (no intensivo) de acting para animadores con técnicas específicas para animadores, esto como reto para nosotros, Mos Teatre. Y por parte de los alumnos, el reto de ponerse en nuestras manos en busca de resultados. Tenemos que felicitar a estos nuevos Animactors por atreverse, por probarse a sí mismos, por ponerse al límites y por poner la mente en blanco y lanzarse al escenario. ¡Bravo, chicos! Esperamos volver a trabajar con vosotros muy pronto.

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El próximo taller de Animacting tendrá lugar en Madrid los días 21 y 22 de enero de 2017, aquí tenéis la información. A principios de este años que empieza lanzaremos nuevos talleres de Animacting, acting para animadores, así que… ¡Estad atentos!

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ANIMACTING: Entrevista Miguel Angel Fuertes

Miguel Angel Fuertes (Madrid, 1957) es todo un referente en la industria de la animación. Su excelsa trayectoria le ha llevado a cruzar puertas como la de ILM (Industrial Light & Magic, la factoría de efectos visuales de George Lucas) y trabajado como director y supervisor de animación en proyectos de Steven Spielberg, Stephen Sommers o de la mano de George Miller en la joya “Happy Feet” y “Metegol” (titulada Futbolín en España) de Juan José Campanella.

Ha sido un absoluto honor y un auténtico placer poder realizar esta entrevista. Os dejamos las inspiradoras palabras de Miguel Angel, que nos habla sobre la importancia de la actuación en la animación a propósito de nuestro proyecto de acting para animadores Animacting.

¿Cómo llegó la animación a tu vida?
Llegó en blanco y negro a través de una caja llamada televisión. Lo primero que recuerdo haber visto en mi vida… y me refiero a cuando tenía 2 o 3 años de edad, fue “El Aprendiz de Brujo” de Fantasía. Con un comienzo así, ya no quise ser futbolista ni toreador, cosas que eran normales entonces. Cuando decía de niño que quería hacer animación, la gente se reía, porque era lo mismo que decir astronauta. Ahora no se ríen más, porque hoy, hasta el virus Zika quiere hacer animación.
¿Por qué crees que es importante la actuación para la animación?
Porque la animación es una técnica, y sin personajes que la aderecen con sus opiniones y sentimientos, sería una ensalada sosa, sobre todo cuando contamos historias con personajes, ya que la animación también puede expresar ideas de una forma conceptual y surrealista. Aunque la actuación sofisticada no siempre es importante, — mira los Simpson o South Park, que están basadas más en diálogo y situaciones absurdas propias de Sitcoms—, pero los personajes sí lo son, y aún más las relacciones entre ellos y las decisiones que toman. Las buenas historias de amor, siempre funcionan, por ejemplo. Las series de televisión se basan todas en relaciones, si encima la actuación es buena, tenemos Breaking Bad.
¿Qué herramientas expresivas debería tener el animador a la hora de crear un personaje?
Él mismo… su cuerpo, su cara, su mente… o acceso a alguien que sepa actuar… y por supuesto, si hablamos de 2D saber expresar esas emociones a través del dibujo, con lo que ha de ser un buen artista, y si es en 3D, el tener un buen rig que le permita explorar todas las expresiones posibles sin limitaciones técnicas. Los ojos y las cejas son lo más importante, lo expresan todo, y se ayudan con la forma de la boca, los hombros y la silueta general. Eso en cuanto a animar un personaje, si dices “crear”, en el sentido de diseño, pues saber observar la vida, la forma que tiene la gente de expresarse, de moverse, de vestir, de mover las manos y el cuerpo. La memoria visual es también muy importante, el recordar cómo se comportaba alguien, o los rasgos de esa persona para poder llevarlos a cabo en el medio que estemos usando en ese momento. Sobre todo, lo que hagamos debe ser creíble, no estereotipado, y para hacer eso, debemos crear paradojas, absurdos, opuestos, en definitiva, contraste en el personaje.
¿Debería existir alguna diferencia entre la formación actoral para un actor y para un animador?
No. Lo que cambia es la técnica que la expresa, es decir, cine, teatro, caricatura, escritura, danza, mimo… Básicamente siempre consiste en sentir algo —tener una opinión— y compartir ese sentimiento con la audiencia y que se vea en pantalla, que no quede emparedado o escondido en la acción. Hoy por hoy, debido a las restricciones de las técnicas de captura, parece que hay que exagerar sí o sí, y suele haber un departamento de animación que exagera las curvas de captura para que se lea más la actuación del actor de mocap en pantalla. Aunque después de ver “The BFG”, me pregunto si esto es todavía cierto, o la técnica de captura es mucho más precisa.
¿Crees que hay algún tipo de actuación que podría resultar más útil al animador?
Sería útil que aprendiera otras formas de expresión además de la comedia, que es en lo que parece basarse la animación generalmente hoy en día, pero ¿tipo de actuación?… pues si la hiciera él, un ejercicio muy estimulante y divertido es el hacer improvisación, porque te obliga a escuchar al otro antes de hacer lo tuyo, y a ser imaginativo en el momento, cosa que tampoco hacemos en la vida, pero en general, veo tantos clichés en la animación actual, que a veces me parece que no hay solución. Sólo cuando veo capturas de movimiento basadas en las expresiones de algún actor, es cuando veo actuación en “animación” sin estereotipos. Es una pena que eso no ocurra en la animación 3D, porque los estereotipos aún siguen siendo suficientes para contar la historia. Pero son aburridos. Todavía espero poder ver una actuación magistral en animación algún día. El animador que lo consiga, será en nuevo Mago de Oz. La actuación en animación es estereotipada, ¿quién la desestereotipará?. El animador que la desestereotipe…
¿Sería útil que en su formación como actor el animador se enfrentase a un público como en una representación teatral?
Buena pregunta… Creo que sí, porque racionalizamos demasiado la actuación en privado, y al hacer eso, la hacemos mecánica y cliché, no es fresca y misteriosa, impredecible e incontrolable. En animación tendemos a controlar todo, incluída la actuación. Todo el mundo actúa más o menos igual en animación… exagerando, haciendo siempre los mismos gestos. Muchas veces no disfruto las películas de animación porque sé lo que van a hacer los personajes en cada momento. Pocas veces me sorprenden. En cambio, si nos forzamos a actuar en público, a no ser que caigamos en error de volvernos conscientes de nosotros mismos, lo más probable es que entremos en una especie de ensoñación de la que despertamos al final de la actuación. Eso es lo que hacen los buenos actores. No quiero decir que estén drogados, ya que prestan atención, pero no a ellos mismos… sino a la situación y a los otros personajes, y se quitan de en medio para que su cuerpo y su mente actúen en consecuencia con lo que sienten, sorprendiéndoles a ellos mismos. Es una catarsis muy interesante, que toda persona viva debiera experimentar alguna vez.
¿Dónde está el límite de la caricaturización de los personajes sacrificando el naturalismo que tendríamos en la interpretación de una película de imagen real u obra de teatro?
No hay que caricaturizar a no ser que estemos interpretando una comedia, o el papel requiera una caricaturización en un momento dado. Lo que hay que hacer es…. Nada. Sí, nada. Apenas nada. Que el cuerpo del personaje, tanto en pose como en acciones exprese en todo momento lo que el personaje siente… pero haciendo lo mínimo. Es muy simple. Muy difícil de hacer para un animador, pero los actores que exageran, —de nuevo, a no ser que hagan comedia—, no saben que no tienen que hacer el trabajo por el espectador, sino que lo que tienen que ser es una pantalla donde el espectador proyecte sus emociones, sugeridas por el guión. Las mejores actuaciones que he visto, suelen ser minimalistas, no exageradas.
¿Crees que un personaje animado puede lograr una interpretación contenida y que consiga transmitir las emociones claramente?
Perfectamente. Los pingüinos en Happy Feet lo hacían y le ganamos el Óscar a Pixar. —Aunque los premios en realidad no signifiquen nada—. El corto “Geist” de Giant Animation Studios, enseña personajes caricaturizados con una animación muy contenida y realista.
¿Consideras que el animador tiene una tendencia habitual a exagerar demasiado en sus acting?
Sí, porque seguimos viviendo en la creencia de que la animación es exageración, y no es así. En los tiempos del 2D, la única herramienta que teníamos para expresar emociones era la línea, y era una herramienta bastante limitada, con lo que había que exagerar para que pudieran apreciarse las emociones más sutiles. Pero ahora estamos en la era del 3D, moviendo volúmenes con texturas, que hacen que el cerebro humano perciba los más mínimos cambios de expresión, y no hace falta seguir reglas medievales. Si se siguen, por ejemplo en el caso de Hotel Transilvania, es porque sirven un propósito de comedia, no porque haya que hacerlo siempre así. La película Francesa “La tortuga Roja”, no necesita ese tipo de actuación, debido a que la historia es más dramática, aunque tenga momentos cómicos… pero no es una comedia. Es importante recordar que el cine de animación es una técnica, y que han de emplearse los recursos de esa técnica en los momentos adecuados al tipo de historia que se quiere contar. La pena es que la estamos haciendo un género, abusando de la creencia de que la animación es exageración y que es para niños. Nada más lejos de la realidad.

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¿Crees que en el cine de animación actual se da mucha importancia al acting?
Eso es lo que los directores y animadores creen, pero siguen cayendo en los mismos estereotipos de exageración una y otra vez. No hay más que ver personajes que tienen actores detrás, como Gollum o los monos del “Planeta de los Simios”, o King Kong, que se come en acting a los actores reales, para darse cuenta de que no hay que exagerar, sino elegir la actuación más adecuada a la escena y a lo que tiene que expresar el personaje en ese momento. Por ejemplo, un actor real tiene capas. Puede que esté riendo por fuera, pero se le nota que está conteniendo amargura o tristeza por debajo. ¿Recuerdas algún personaje animado que haga eso exitosamente y sin exagerar? ¿Hay algún equivalente en animación a Dustin Hoffman, Kevin Spacey o a Tom Hardy, a Betty Davis, Audrey Hepburn o Diane Lane? Mira que digo nombres… ¿Hay UNO SOLO en animación? Gollum casi fue uno.
Es evidente que no existe un truco infalible para resultar expresivo ante la cámara, pero, ¿qué ejercicios relacionados con la interpretación recomendaría a los animadores?
Que cuando escuchen el diálogo de su personaje y se filmen como referencia, no hagan lo primero que les venga a la cabeza. Que salten, jueguen, corran, hagan ejercicio, salten a la comba —en serio—, antes de ponerse a actuar, de manera que se sientan más sueltos, más en su cuerpo y menos en sus cabezas. Que no estén conscientes de ellos mismos. Que haga completamente algo diferente a lo que escuchan en el diálogo, aunque parezca que no funciona. Que se imaginen qué miedos o problemas lleva el personaje por dentro de los que no habla. Hoy en día no es difícil actuar para animación, porque los directores siguen pidiendo más de lo mismo, que lo que siempre se ha hecho. No se arriesgan. NO dejan que sea el animador el que explore el personaje, como hace un actor. En muchas ocasiones, no se suele dar secuencias enteras a un animador, o un personaje único como en el pasado. Últimamente, todo el mundo hace de todo, y eso me parece un error. Hay que hacer casting de animadores como se hace de actores. Hay animadores mejores en comedia y otros en mecánica o accióon, otros en primeros planos o actuación dramática. Les recomendaría que estudiaran actuación, no sólo que interpretaran, sino que estudiaran la forma de actuar de actores que les hayan impresionado. Que descubran porqué. Que intenten actuar con capas, es decir, que estén diciendo un diálogo tristes, aunque por dentro estén contentos, y que se note, o viceversa. Para animadores 2D y 3D, un ejercicio brutal es el coger cualquier personaje de animación conicido, y moverle y hacerle actuar como otro también conocido, y ver si los demás descubren quién es. Pero sin exageraciones, porque entonces se hace más evidente.
¿Cuál es el error más común que cometen los animadores a la hora de dar vida a un personaje?
Sentarse a animar antes de haber digerido, pensado, de haberse metido, explorado el personaje. Entiendo que las demandas de producción hacen que parezca que no se tiene tiempo para terminar el plano, con lo que es mejor empezar cuanto antes. Conozco grandes animadores que hacen eso y también lo contrario… pero suelen ser mejores los que se lo piensan, se toman su tiempo, exploran posibilidades en su mente, o en un papel. Muchos hacen no sólo bosquejos sino animaciones completas en 2D antes de terminarlas en el ordenador. Creo que cualquier cosa que nos ayude a llegar a la perfección es legítima. Como dibujar en la pantalla con un rotulador seco, cosa que fue común cuando yo empecé, pero los técnicos se quejaban de que ensuciábamos las pantallas, con lo que se usaron acetatos que colgaban frente a la pantalla para dibujar sobre la pose 3D y descubrir sus límites. El dibujo es más intuitivo y suelto que el mover todos esos controles de animación con ventanas y menús. Otro error común es el hacer lo primero que les viene a la mente. Creo que debieran de tomar clases de actuación, o se basarse en un actor para hacer sus animaciones. Otro error es el no ver los estereotipos más usados en la animación en los últimos 10 años… el tocarse la cabeza, el enseñar las palmas de las manos y el apuntar con el dedo. Creo que ya va siendo hora de pasar a la siguiente fase y dejar la actuación de vodeville.
¿Podrías contarnos alguna anécdota o experiencia personal relacionada con la interpretación o creación de personajes?
Me contrataron en Happy Feet para una secuencia de leones marinos que George Miller se estuvo pensando si poner o quitar de la película durante un año. Mientras, estuve animando pinguinos, y la foca tigre. Cuando quedaba un mes para terminar la producción, el productor me dijo que si era capaz de animar a 4 leones marinos en unos 10 planos en ese mes, la secuencia se ponía en la película y si no, se quitaba. Aunque tuve ayuda de algunos animadores, sabiendo que George era un director de iamgen real, y que exigía mil variaciones de actuación, que eran imposibles de hacer en el tiempo que tenía, decidí actuar delante de la cámara todo el diálogo de los leones marinos. Acabé hasta con 40 versiones diferentes de cada uno, que tuve que reducir a 20 por el limitado tiempo que George tenía de verlas. Cuando al fin lo hizo, una mañana, y eligió las tomas que le gustaban, me ofreció aparecer como actor en Fury Road porque quedó impresionado con mi actuación. Nunca olvidaré estar en la habitación con él, mirar hacia atrás y tras la puerta abierta, ver a todo el estudio mirando la pantalla. Fue la prueba de casting más maravillosa que he tenido. Ahí, me pensé seriamente hacerme actor. Otra anécdota fue haciendo Metegol. Me dieron el personaje del mánager, el que entrena al villano futbolista Grosso. Me resultó curioso que ese personaje tuviera tanta rabia dentro como para entrenar a otro para que cometiera sus fechorías, y ví en las paredes de los diseñadores de la película el dibujo de una foto que pasa desapercibido en la película. El manager cuando era joven, pertenecía a un equipo de fútbol. Inmediatamente, me vino a la cabeza —debido también a la gordura del personaje— el que cojeara. Tuvo un accidente que le impidió seguir en el fútbol, por eso entrena al Grosso, para que haga lo que él no pudo. Tiene sentido. Por supuesto, le pregunté al director Campanella, que lo aprobó inmediatamente. Le encantó la idea. El manager no cojeaba antes de mí. Pero ahora tenía más sentido, y creo que ese tipo de detalles son los que tejen personajes más complejos, porque tienen un pasado que determina su presente y su futuro.
¿Cuál ha sido tu experiencia en animación más satisfactoria o el trabajo del que te sientes más orgulloso?
Siempre digo que todas, porque tanto malas como buenas, todas fueron experiencias en las que aprendí algo, pero en particular Sebulba, Hulk, y los lobos de Eclipse, por mil razones que desconocéis y no vienen al caso. Estuve muy orgulloso del trabajo que hice en la previsualización para Van Helsing cuando las novias vampiro atacan el poblado, pero luego los animadores no siguieron mis directrices, con lo que las poses y las animaciones se perdieron completamente. Una pena, porque animé poses estilo esculturas clásicas renacentistas. A veces, la animación es muy frustrante, cuando ves que algo que has hecho bien, termina en pantalla peor. Pero creo que el trabajo que más me enorgullece fue el que hicieron mis animadores en un tiempo imposible y con presupuesto imposible en Ghosthunters on Icy trails, por el que recibimos una nominación al premio IFTA Irlandés. Crearon un personaje que se come la película. Literalmente. Y también de mi participación voluntaria ayudando a Carlos Baena en su corto “La Noria”, del que espero se oiga hablar largo y tendido dentro de poco. Cuando no disfrutamos con lo que hacemos, es mejor que nos preguntemos qué falla… si lo hacemos porque realmente queremos o es porque no hemos encontrado nuestra razón para hacerlo. Yo no puedo trabajar sin una razón, sin algo que me motive. Cuando lo hago, el resultado no es bueno. Cuando disfruto, se nota en pantalla, y espero que el espectador también lo disfrute, aunque sea inconscientemente. Para el poco tiempo que tenemos aquí, mejor disfrutar lo que hacemos. No hay otra opción.

Un millón de gracias a Miguel Angel por dedicarnos estas palabras tan sinceras y emocionantes. Es momento de que la industria conozca y ponga en práctica la importancia de la actuación en la animación. El animador necesita herramientas interpretativas puesto que éste se convierte en un actor desde el mismo momento en que inicia el complicado camino de construir un personaje y darle vida.