Taller de interpretación para cine en Valencia

Taller intensivo de interpretación para cine y TV.

MOS TEATRE plantea un nuevo taller intensivo de interpretación especializado en la técnica de actuación para la cámara para todos los niveles. Si tienes formación actoral puede servir para especializarte en esta técnica y si no, puede ser una manera interesante de dar tus primeros pasos en el mundo de la actuación.

El aprendizaje será mayoritariamente práctico y tratará de acercarse a los principios básicos e imprescindibles del proceso dramático, pero todo aplicado a la expresión corporal, análisis textual, montaje, preparación y posterior grabación de una escena cinematográfica. Los alumnos podrán disponer de todo el material grabado para poder utilizarlo en su videobook, reel, etc.

El taller se realizará los días miércoles 22 y jueves 23 de febrero en horario de tardes en Espacio Inestable (C/ Aparisi y Guijarro, 7, Valencia) GRUPO MUY REDUCIDO.

 Si estás interesado/a, mándanos un mail a mosteatre@gmail.com y te daremos toda la información.

¡No te lo pienses!

Taller El teatro como herramienta

Mos Teatre propone un taller intensivo para que el alumno disponga de unas herramientas expresivas mediante las claves de un actor para poder utilizarlas para su beneficio profesional y personal, tales como: incrementar nuestra conciencia corporal, perder el miedo a hablar en público o trabajar la expresión verbal y no verbal.

El aprendizaje será eminentemente práctico y tratará de acercarse a los conceptos basicos e imprescindibles de la actuación. El planteamiento fundamental de la formación será incidir en el trabajo en grupo para poder colaborar entre todos y ayudarse unos a otros.

PROGRAMACIÓN TALLER EL TEATRO COMO HERRAMIENTA

Lugar: Espacio Inestable (C/ Aparisi i Guijarro, 7, Valencia)

Fecha: Sábados 18 y 25 de febrero de 2017.

Horario: De 10 a 13h.

GRUPO REDUCIDO.

Para más información, escribid un mail a mosteatre@gmail.com

ANIMACTING: Entrevista al animador Doron Meir

Doron Meir lleva más de diez años investigando y enseñando sobre el proceso creativo en el mundo de la animación. Meir, además de ilustrador, diseñador, autor y animador, también ha dirigido varios trabajos para televisión y ha formado parte del equipo creativo en distintos proyectos como Astérix y los vikingos, El Correcaminos, La casa de Mickey Mouse o La oveja Shaun. Actualmente, es el director del departamento de guión en DHX Media, Canadá. También es responsable del inspirador blog: The Creative Process (lo podéis seguir también en su página de Facebook).

Hace poco contactamos con él para que nos regalase unas palabras sobre la importancia de la actuación en la animación a propósito de nuestro programa formativo de acting para animadores Animacting, os dejamos la entrevista:

¿Cómo entraste en el mundo de la animación?
Mi padre tenía esos populares cuadernos de Walter Foster y Preston Blair, y de niño solía copiar sus dibujos. Al crecer, casi se me olvidó todo – hasta que con 20 años vi Aladdin. No se me borró la sonrisa durante tres días, y fui a verla dos veces más. Después, no podía pensar en nada más. Estaba enganchado. Cogí esos viejos cuadernos de nuevo y empecé a practicar, y después de un año de dibujar sin parar, me encontré con un curso nocturno de solo 13 clases en un estudio en Israel. Me lo tomé tan en serio que cuando lo terminé me ofrecieron un trabajo en el estudio. Y desde entonces no he hecho otra cosa.

 

¿Por qué crees que la actuación es tan importante en la animación?

Creo que una buena actuación es uno de los aspectos más importantes y gratificantes de cualquier película, sea animación o acción real. En general, es importante en todas las películas.

¿Qué herramientas expresivas deben tener los animadores al crear a un personaje?

Yo diría que principalmente dos: (1) acostumbrarse a trabajar con simbología visual – por ej. capturar una emoción con una forma visual lo más simple posible; y (2) entender la anatomía facial, para que así tengas un vocabulario facial amplio con el que trabajar, y poder crear formas más creativas/imaginativas y sutiles.

¿Deberían los animadores formarse en interpretación?

¡Absolutamente! Yo hice un curso de interpretación, fue una de las mejores experiencias de mi vida y muy  educativa. Lo más importante que me enseñó es a que no me importara hacer el ridículo. Los animadores necesitan soltarse, en mi opinión.

¿Debería haber alguna diferencia en la formación actoral para convertirse en actor y la formación actoral para convertirse en animador?

No estoy seguro. Si tuviera que apostar por algo, probablemente lo enfocaría más a la improvisación y la pantomima y menos en el texto. Pero no creo que los animadores necesiten ser actores completos. Familiarizarte con la actuación, y tal vez estar en un escenario en frente de un público en directo un par de veces, es todo lo que necesitas.

¿Dónde está el límite entre la caricaturización de los personajes contra sacrificar el naturalismo del cine de acción real?

No sé si hay una respuesta a eso… realmente depende de la historia concreta que intentes contar. Creo que lo más importante a lo que se debería aspirar es la credibilidad. Los Teleñecos, son tan simples, y sin embargo no puedo evitar imaginarme a Gustavo como una persona. Luego tienes personajes como Bambi, tan sutiles y reales que casi parece un documental…y eso funciona también, para ESA historia. Mientras consigas que el público crea en tu personaje como una criatura viviente con una mente propia, yo diría que estás en el buen camino.

¿Crees que en la industria de la animación actual la actuación es tan apreciada como lo estaba en la Edad de Oro? (El Libro de la Selva de Disney, etc)?

Sí, diría que sí lo es. Hace 15 años no pensaba lo mismo. Creo que la industria (especialmente la del 3D) ha sufrido una evolución muy grande en la última década.

Está claro que no hay truco infalible a la hora de ser expresivo en cámara, pero ¿qué ejercicios relacionados con la actuación recomendarías a los animadores?

Diría que simplemente aprender a relajarse, soltarse. Haced algunos ejercicios de improvisación, trabájalo con amigos. No te preocupes por hacer el ridículo. Haz el tonto y no te preocupes por lo que piensen los demás. Esto lleva tiempo y práctica, pero ES algo en lo que puedes mejorar. También si vas a grabarlo como referencia tómate algunos minutos para hacer tonterías y soltarte antes de darle al botón de grabar. Y hazlo muchas veces.

¿Cuál es el error más común cuando los animadores dan vida a un personaje?

Diría que los errores más comunes, o el que más me molesta, es usar los brazos y manos demasiado y olvidarse de utilizar todo el cuerpo como forma. Vuelvo a esa idea del simbolismo que mencioné antes.

Como profesional del 2D y 3D, ¿qué técnica (3D o 2D) crees que dá más énfasis a la actuación? ¿Hay alguna diferencia en la actuación en esos dos diferentes medios?

El 3D te da más control. Puedes trabajar por pases y refinar cada expresión hasta un grado que no es posible en la animación tradicional. El precio que pagas por ello es la flexibilidad: sólo puedes hacer lo que el Rig y el software te permiten hacer. Sin embargo, ambas cosas están cambiando. Harmony (un software de 2D basado en el vector) ahora ofrece a los animadores 2D un alto nivel de control, con toda la flexibilidad del 2D tradicional. Al mismo tiempo, las herramientas de la animación 3D son cada vez más y más sofisticadas, dando a los animadores un nivel de control que solo podían imaginar hace 10-20 años. Incluso la animación stop-motion cada vez está más tecnológicamente desarrollada y da a los animadores más control (me han contado que han hecho unas cosas muy interesantes en Laika con su nueva película Kubo). Así que todo está evolucionando. Es muy emocionante.

¿Cuál ha sido tu experiencia más gratificante en animación o la película de la que estás más orgulloso?

Acabo de terminar de trabajar en el nuevo largometraje de My Little Pony, como Head of Story (Director del Departamento de Guión). Me lo pasé en grande ayudando al director Jayson Theissen y a los guionistas a dar forma a la historia. Los artistas que hicieron el storyboard hicieron un gran trabajo, y el equipo de animación está haciendo cosas fantásticas. Estoy deseando ver el resultado final. Creo que será muy gratificante.

English:

How did you get into animation?
My dad had those famous Walter Foster/Preston Blair booklets, and as a kid I used to copy those drawings. Growing up, I pretty much forgot all about it – until I was 20 and watched Aladdin. Could not get the smile off my face for 3 days, and I went to see it 2 more times. After that, I couldn’t think of anything else. I was hooked. I took those old booklets again, started to practice, and after about a year of just drawing and drawing, I found a night time course (just 13 lessons) in a studio in Israel. I took it so seriously, that when it ended they offered me a job at the studio. And I’ve been in animation ever since.

Why do you think acting is so important in animation?
I think good acting is one of the most important and rewarding aspects of any film, animation or not. I wouldn’t say it’s more important in animation than in Live Action. It’s just important in movies in general.

What expressive tools should have animators when creating a character?
I would say two main things: (1) getting used to working with visual symbolism – i.e. capture a feeling with a visual shape that it as simple as possible; and (2) understanding facial anatomy, so that you have an wide facial “vocabulary” to work with and creating creative and subtle shapes.

Should animators be trained in acting?
Absolutely! I took an evening course in acting, it was (A) one of the best times of my life, and (B) very educational. The most important thing it taught me was not to be afraid of making a fool out of myself. Animators need to loosen up, in my opinion.

Should there be any difference between acting training to become an actor and acting training to become an animator?
I’m not sure. If I had to take a guess, I would probably focus more on improvisation and pantomime and less on textual stuff. But I don’t think animators need to be full-fledged actors. Getting yourself familiarized with acting, and mabye being on stage in front of a live audience a couple of times, is really all you need.

Where is the limit in the caricaturization/characterization of characters vs sacrificing the naturalism in a live action film or theatre play?
I don’t know that there’s a real answer to that… it really depends on the specific story you’re trying to tell. I would say believability is the thing to go for. The Muppets are SO simple and yet I can’t imagine Kermit not being an actual person. Then you have stuff like Bambi, so nuanced and real it almost feels like a documentary… and that works too, for THAT story. As long as you get the audience to believe in your character as a living breathing thing with a mind of his/her own, I’d say your’e good.

Do you think that in the current animation film industry acting is as much appreciated as it was in the Golden Age (Disney’s Jungle Book, etc )?
Yes, I would say it is. 15 years ago I did not feel the same way. I think the industry (3D especially) made some huge leaps in that area over the last decade.

It´s clear that there is no infallible trick to be expressive on camera, but what exercises related to interpretation would you recommend animators?
If I understand the question correctly, I would say probably just learn to loosen up. Do some improv exercises, work with friends. Don’t worry about making a fool out of yourself. Be silly and don’t worry about what others think. This takes time and practice, but it IS something you can get better at. Also, if you’re recording reference, take a few minutes to just do stupid stuff and loosen up before pressing REC. And do it many times.

What is the most common mistake when animators give life to a character?
I would say the most common mistakes, or at least the one that bug me the most, is using the arms and hands too much and forgetting to use the entire body as a shape. It goes back to that symbolism idea I mentioned earlier.

As a 2D and 3D professional, which technique (3D or 2D) do you believe gives more emphasis to performance or acting? Is there any difference in acting in those two different mediums?
3D give you more control. You can work in passes and refine that expression to a degree not possible in traditional animation. The price you’re paying for that is flexibility: you can only do what the rig + software allow you to do.
Both of these things are changing, however. Harmony (a vector-based 2D software) now gives 2D animators a very high level of control, along with all the flexibility of traditional 2D. At the same time, 3D animation tools are getting more and more sophisticated all the time, giving animators a level of control they could only dream of 10-20 years ago. Even stop motion is getting more high-tech and giving animators more control (I hear they did some pretty interesting things at Laika with their new film, Kubo). So the whole thing is evolving. It’s pretty exciting.

What has been your most satisfying experience in animation or the film which you are most proud of?
I just finished working on the new My Little Pony feature film, as Head of Story. I had a blast helping director Jayson Theissen and the writers shape the story. The storyboard artists did a great job, and the animation team is doing some pretty amazing stuff right now. Looking forward to seeing the final result – I think it’s going to be very rewarding.

Ed Hooks y la pasión por lo que haces.

Por Javi Alfonso.

Hace unos días tuve la oportunidad de vivir una de las experiencias profesionales más enriquecedoras de mi vida. Tuve la suerte de poder asistir a la masterclass que impartía el maestro Ed Hooks, autor de la obra Acting for animators en A Coruña.

El maestro empezaba la clase con una frase:

La interpretación es comportarse de manera creíble y fingir circunstancias para un objetivo teatral.

No trataba de justificar, ni siquiera explicar la importancia de la interpretación en la creación de personajes en el cine de animación, hablaba del arte de la actuación en general. Hooks lleva a sus espaldas décadas de trabajo e investigación junto a los mejores animadores y estudios de animación para dar las respuestas que necesitan los profesionales de este medio desde las claves de un actor/actriz. A lo largo de la clase nos dio ejemplos e incluso relatos ejemplos de su propia vida para acercar a la gran mayoría de animadores y algún que otro actor que estábamos allí, atónitos, escuchando todo lo que nos decía.

ed hooks javi alfonso acting animators
Javi Alfonso con el maestro Ed Hooks, autor de Acting For Animators.

El profesor Hooks escogió algunos fragmentos de películas emblemáticas para hacernos ver la importancia de la expresividad en cada personaje y cada uno de sus pestañeos, frases o respiraciones. Fue muy interesante cómo exponía su visión de la importancia de la actuación para los animadores “Los actores trabajan en el presente, los animadores no. Un animador debe entender cómo funciona la actuación“.

Uno de los momentos más emotivos y casi mágicos de la jornada fue cuando, cubierto de lágrimas, el maestro nos explicaba la efectividad expresiva de un cortometraje en concreto (que por cierto, me sobrecogió profundamente): “Father and Daughter“, aquí os dejo el vídeo:

Cuando acabó la masterclass, tuve la oportunidad de llegar hasta él y hablarle. Primero le expliqué quién soy y que me dedico (a otros niveles muchísimo más modestos) a formar animadores como actores y esto le emocionó mucho. Me miró, me agarró de las manos y me dio las gracias por asistir a su clase y por hacer lo que hago. No pude sentirme más orgulloso.

Si antes ya lo tenía claro, ahora mucho más. Es necesario que la industria española entienda lo necesaria que es la interpretación en el proceso creativo de los animadores.

 

El texto como partitura

Por Javi Alfonso.

El texto te da unas pistas. Tratas de colocar a un actor o actriz en un lugar para que tire de su intuición y pueda defender lo que va a hacer en un escenario. Pero el texto, por grande que sea, siempre acaba siendo un material del que partimos, la vida la ponemos nosotros.

Le das unas pistas a una chica para que, tras leer un texto y sacar las primeras claves de un personaje, haga una improvisación y empieza la magia. Unos minutos después, hacemos lo mismo con otra chica y no tiene nada que ver un trabajo respecto al otro.

La clave es la percepción personal de esas pistas, no tienen nada que ver con nuestro perfil físico, si no con cómo nos quedamos con lo que creemos que es la información importante de todo eso y nuestro cuerpo lo interpreta. Y todos los cuerpos son distintos, eso es lo fascinante.

Por esto mismo, proponemos un ejercicio: leemos un texto que es una descripción de un personaje en primera persona acompañada de una breve historia. Extraemos esas pistas y después, olvidamos el texto, nos quedamos con las claves y nos lanzamos a hacer una improvisación. El resultado es asombroso. Nuestro cerebro ha seleccionado sólo lo que considera importante de lo que hemos leído y nuestro cuerpo se pone en marcha. Ponemos en pie y damos vida a esas claves y en definitiva, a ese personaje. Lo fascinante de todo es que cada cuerpo es distinto y por lo tanto, cuando llega el momento en que el actor/actriz empieza a tomar decisiones en el escenario llega la verdadera actuación, cuando cada uno tira por un lado u otro. El texto queda como una partitura, esencial, pero es una herramienta más.

Hay que cuidar a nuestros artistas

Por Javi Alfonso.

En la clase de ayer a los adolescentes, hablábamos del concepto de RESPONSABILIDAD. Algunos ejercicios que hacemos pueden resultar casi más un juego o un divertimento y a veces es fácil olvidarse del verdadero objetivo del mismo, por eso, en ocasiones, debemos soltar un poco el acelerador para reflexionar qué hacemos en un escenario. Es fácil encontrar opiniones sobre la actuación en las que se refieren al escenario como “suelo santo”. No sé si será santo, pero estar encima de un escenario siempre es un privilegio, y por lo tanto, el actor/actriz, aparte de divertirse y aprender, tiene la responsabilidad de afrontar cada prueba que se le pone con ahínco y esfuerzo.

Tuvimos tiempo de hablar de otras tantas cosas, pero, esto de la responsabilidad nos llevó a nosotros, los profesores, a una reflexión, y es a la responsabilidad que tenemos y que ya se nos supone como formadores y además, la que no está escrita en ninguna parte pero que, para nosotros es un deber. Este deber es el de mostrar un camino a los alumnos, como igual a igual. Cuando hablas con niños y gente joven tienes que pensar que tienes entre manos un material delicado, un diamante en bruto y que todo puede influenciarles (positiva y negativamente) y que de alguna forma, están “recopilando” información para conformar su personalidad, gustos y criterio. Por esto, es importante preguntarles qué cosas les gustan, qué tipo de cine o teatro les gusta ver, en qué se fijan de los actores y actrices que les gustan. “Me gusta mucho el actor que hace de Gandalf en El señor de los anillos“, decía una chica, y eso nos daba pie para explicarles el camino de un actor. ¿Es Ian McKellen Gandalf y Magneto? Por supuesto, y no creo que él reniegue de serlo, pero como personas curiosas e interesadas por la actuación, debemos indagar un poquito más y descubrir que hablamos de uno de los grandes actores que ha dado la interpretación a nivel mundial, y es importante conocer esto.

Esto nos llevó a otra interesante conversación precisamente sobre las trayectorias de los actores. Estos chicos que empiezan a subirse ahora a un escenario empiezan a darse cuenta de lo difícil que es, de la entrega que necesitamos para lograr nuestros objetivos en escena y tal vez ahora, empiecen a valorar más el trabajo de los actores y actrices que les gustan. ¿Alguien conoce a José Sacristán?, les pregunté a los adolescentes y nadie contestó. ¿Alguien ve la serie “Velvet“?, una chica levantó la mano. Le expliqué que Sacristán interpreta al tío de la chica protagonista, entonces cayó y dijo “¡oh, sí!, ese hombre lo hace muy bien”. Les expliqué que Sacristán, es probablemente uno de los mejores actores que ha dado nuestro país, pero al contrario que McKellen, que es conocido a nivel universal y puede permitirse aceptar o rechazar el papel que le dé la gana, debe aceptar trabajos alimenticios como “Velvet” (con todo el respeto hacia la serie y las series de televisión en general que tanto nos gustan y enganchan), ganar algún galardón (como los que ha recogido en los últimos años) y esperar la consideración de alguna academia que se decida por fin a homenajearlo como corresponde o la aceptación de un público que nunca sabes a quién va a decidir dar popularidad.

No nos gustan las conclusiones pesimistas, y menos cuando cierran conversaciones tan interesantes como ésta que tuvimos en clase, pero lamentablemente, de momento, este país está muy lejos de cuidar a sus artistas como debería. No pasa nada, seguiremos peleando.

El ritmo en la escena

Por Javi Alfonso.

Estoy viendo una escena, en una película, una serie o un montaje teatral. Algo falla, pero no sé qué es; los actores resultan “creíbles”, el argumento es bastante sólido y todo parece bastante en orden. Entonces, ¿Qué está fallando?

Cuando nos asalta esta duda, normalmente el ritmo suele ser el culpable. El ritmo, o tempo como queramos llamarlo, debe estar en comunión con el resto de los elementos de la escena, y por elementos entiéndanse los actores, fotografía y banda sonora si la hubiese, puesta en escena e incluso ambientación. El ritmo de nuestro personaje no debe pelearse con el resto de engranajes de la secuencia, tenemos que encontrar un equilibrio para que forme parte de un todo.

Pensemos en referentes que tenemos tan presentes como por ejemplo la popular serie de TV “Friends“. ¿Por qué funcionaba tan bien? ¿Por qué las secuencias resultaban tan cómicamente efectivas? Aparte de porque había un gran trabajo de interpretación y dirección actoral, el responsable de ésto es, una vez más, el ritmo. ¿Os imagináis a los personajes de Chandler o Joey, por poner un ejemplo, haciéndose la puñeta cada uno a un ritmo diferente? ¿O a Marlon Brando en “El último tango en París” comportándose como Jim Carrey en “La máscara“? ¿No, verdad? No tendría ningún sentido.

¿Qué claves existen para no distanciarnos del ritmo de nuestro personaje y del marco en el que está? Sobre todo, hacer un exhaustivo análisis de la persona que vamos a interpretar y entender cada parte de la historia que vamos a mostrar al público. Cada parte, cada coma, cada acción, debe estar perfectamente asimilada por nosotros para finalmente, cuando oímos el “ACCIÓN” o entramos en escena, nos sintamos que formamos parte de un todo. No somos cabezas parlantes independientes, somos parte de algo, y sin nosotros, sin un trabajo bien hecho, nada tiene sentido. De la misma forma, que sin el resto de elementos que componen la escena, nuestro trabajo carece de sentido.