Arranca el nuevo taller ANIMACTING Valencia

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Hace unos días empezábamos, como siempre con toda nuestra ilusión, el nuevo taller Animacting, esta vez, en casa, y es que éste es el segundo taller de acting para animadores que Mos Teatre realiza en Valencia.

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Después de la más que satisfactoria experiencia del primer taller en nuestra ciudad, hemos llevado más allá nuestra investigación y les hemos propuesto a los animadores un taller más centrado en la práctica de actings completos y realizando escenas cinematográficas combinando el trabajo textual (extraer claves para nuestros personajes) y el físico, centrándonos en los matices específicos que requiere la formación actoral de los animadores.

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El animador ha de sentir que la actuación es algo primario, fácil, algo que les nace de las tripas y que pueden recurrir a ella en cualquier momento que necesiten, por eso, a la hora de enfrentarse a un acting, deben tener claros varios principios.

ANIMACTING | Acting para animadores

Qué plano vamos a trabajar, cómo es nuestro personaje y conocer su conflicto son algunos de esos principios. Pero lo más importante tanto para los animadores como para (según nuestro punto de vista) todo aquel que quiera acercarse a la actuación es: Escuchar y Reaccionar.

ANIMACTING | Acting para animadores

De momento, los animadores están armados de valor y van pasando con éxito y profundidad por todos y cada uno de los ejercicios que les proponemos. ¡Bravo, Animactors!

ANIMACTING: Taller de acting para animadores en Valencia

Vuelve a Valencia ANIMACTING, el programa de interpretación específico para animadores de Mos Teatre.

Después de dos talleres en Valencia y Madrid, volvemos a nuestra ciudad para ofrecer la oportunidad a los animadores de que adquieran herramientas expresivas desde las claves de un actor/actriz para mejorar sus personajes y referencias.

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CONVOCATORIA TALLER ANIMACTING VALENCIA

Lugar: Espacio Inestable (C/ Aparisi y Guijarro, 7, Valencia)

Fecha: Del 22 de abril al 24 de junio de 2017.

Horario: Sábados de 11 a 13h.

Si deseas recibir más información sobre este taller de Acting para animadores, envíanos un mail a mosteatre@gmail.com

¿Qué es ANIMACTING?

Mos Teatre ha creado el proyecto Animacting, un programa formativo específico para animadores en el que podrán encontrar las herramientas necesarias para enfrentarse a un personaje o situación desde las claves de un actor mediante la conciencia corporal y expresiva, para que más tarde puedan trasladar ese trabajo al ordenador.

El aprendizaje es eminentemente práctico y tratará de acercarse a los conceptos básicos e imprescindibles de la actuación. El planteamiento fundamental de la formación será incidir en el trabajo en grupo para poder colaborar entre todos y ayudarse unos a otros.

ANIMACTING: LLevamos nuestro taller de acting a Madrid

Por Javi Alfonso.

Actuar es siempre atreverse, dar un paso, pero cuando además no es tu oficio, exige de una valentía extrema. Eso es lo que han hecho los intrépidos alumnos del primer taller ANIMACTING, acting para animadores que Mos Teatre ha realizado en Madrid.

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El reto era el siguiente: proponer nuestro programa específico de interpretación para animadores en un taller intensivo de 12 horas en dos sesiones. Los animadores iban comprendiendo, aceptando y asimilando las claves que se les iban entregando sobre la profesión del actor con el fin de que pudiesen utilizarlas para sus referencias y mejorar su expresión facial y corporal en general.

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Majo y yo les preguntábamos, preocupados por ellos en todo momento, si el ritmo era demasiado asfixiante o si la lluvia de conceptos que caía sobre ellos era abrumadora, la respuesta de los chicos nos mostraba su optimismo y tolerancia hacia unas disciplinas que no se les suponen y que son un mundo desconocido para ellos. Es gracioso cuando afirman que un animador no puede ponerse en la piel de un actor, “el animador es vergonzoso”, dicen. Bueno, ¿y qué? ¿Acaso no hay actores o actrices vergonzosas? La timidez o la vergüenza no tiene nada que ver con aceptar la responsabilidad de querer enriquecer los personajes que creamos y para eso, estaban los alumnos en el taller.

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Un taller, de la duración que sea, es siempre una oportunidad para crear, aprender y divertirse, pero no sólo para los alumnos, sino también para nosotros los docentes, que vemos como generosos, nos entregan algo tan importante como es el talento y aprendizaje.

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Animacting, al igual que todos nuestros proyectos pedagógicos están en continua evolución y para eso, necesitamos de la opinión de los alumnos. Por eso, en todo momento, tras cada ejercicio, les consultábamos cómo vivían el proceso del taller.

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“Nos ha resultado muy completo y útil” coincidían todos los asistentes al curso. No podríamos estar más satisfechos y orgullosos del transcurso de esta última aventura de Mos Teatre.

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El próximo taller de ANIMACTING comenzará en Valencia el próximo mes de abril. A lo largo de los próximos meses iremos anunciando los próximos destinos donde llevaremos nuestro proyecto. Así que… ¡Atentos, Animactors!

Despedimos el primer taller ANIMACTING

Esta semana finalizó el primer taller de Animacting en Valencia. La sensación que nos queda no podría ser más satisfactoria. Los Animactors han dado un salto de fe y se han puesto en la piel de un oficio que no les corresponde (pero que necesitan) para conseguir claves que les ayuden en el desarrollo de la actuación de sus personajes.

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Crear un personaje es una responsabilidad y los alumnos de este taller la han asumido. Han dedicado su tiempo y esfuerzo a descubrir que puede hacer la interpretación por ellos y por su trabajo. El proceso, en ocasiones “extraño” para alguien ajeno a la profesión del actor, les ha llevado a sorprenderse ellos mismos de los resultados obtenidos. Y es que, los matices que han surgido en estas clases han sido inesperados y fascinantes.

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Hablamos de responsabilidad, la de dar la importancia que merece la interpretación para la animación. Una responsabilidad en ocasiones maltratada y malentendida en esta industria, pero que poco a poco, va cobrando el valor que merece.

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Este taller tenía un objetivo complicado, por una parte, era el primer taller independiente de Animacting y casi nos atreveríamos a decir que el primer taller (no intensivo) de acting para animadores con técnicas específicas para animadores, esto como reto para nosotros, Mos Teatre. Y por parte de los alumnos, el reto de ponerse en nuestras manos en busca de resultados. Tenemos que felicitar a estos nuevos Animactors por atreverse, por probarse a sí mismos, por ponerse al límites y por poner la mente en blanco y lanzarse al escenario. ¡Bravo, chicos! Esperamos volver a trabajar con vosotros muy pronto.

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El próximo taller de Animacting tendrá lugar en Madrid los días 21 y 22 de enero de 2017, aquí tenéis la información. A principios de este años que empieza lanzaremos nuevos talleres de Animacting, acting para animadores, así que… ¡Estad atentos!

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ANIMACTING: Entrevista Miguel Angel Fuertes

Miguel Angel Fuertes (Madrid, 1957) es todo un referente en la industria de la animación. Su excelsa trayectoria le ha llevado a cruzar puertas como la de ILM (Industrial Light & Magic, la factoría de efectos visuales de George Lucas) y trabajado como director y supervisor de animación en proyectos de Steven Spielberg, Stephen Sommers o de la mano de George Miller en la joya “Happy Feet” y “Metegol” (titulada Futbolín en España) de Juan José Campanella.

Ha sido un absoluto honor y un auténtico placer poder realizar esta entrevista. Os dejamos las inspiradoras palabras de Miguel Angel, que nos habla sobre la importancia de la actuación en la animación a propósito de nuestro proyecto de acting para animadores Animacting.

¿Cómo llegó la animación a tu vida?
Llegó en blanco y negro a través de una caja llamada televisión. Lo primero que recuerdo haber visto en mi vida… y me refiero a cuando tenía 2 o 3 años de edad, fue “El Aprendiz de Brujo” de Fantasía. Con un comienzo así, ya no quise ser futbolista ni toreador, cosas que eran normales entonces. Cuando decía de niño que quería hacer animación, la gente se reía, porque era lo mismo que decir astronauta. Ahora no se ríen más, porque hoy, hasta el virus Zika quiere hacer animación.
¿Por qué crees que es importante la actuación para la animación?
Porque la animación es una técnica, y sin personajes que la aderecen con sus opiniones y sentimientos, sería una ensalada sosa, sobre todo cuando contamos historias con personajes, ya que la animación también puede expresar ideas de una forma conceptual y surrealista. Aunque la actuación sofisticada no siempre es importante, — mira los Simpson o South Park, que están basadas más en diálogo y situaciones absurdas propias de Sitcoms—, pero los personajes sí lo son, y aún más las relacciones entre ellos y las decisiones que toman. Las buenas historias de amor, siempre funcionan, por ejemplo. Las series de televisión se basan todas en relaciones, si encima la actuación es buena, tenemos Breaking Bad.
¿Qué herramientas expresivas debería tener el animador a la hora de crear un personaje?
Él mismo… su cuerpo, su cara, su mente… o acceso a alguien que sepa actuar… y por supuesto, si hablamos de 2D saber expresar esas emociones a través del dibujo, con lo que ha de ser un buen artista, y si es en 3D, el tener un buen rig que le permita explorar todas las expresiones posibles sin limitaciones técnicas. Los ojos y las cejas son lo más importante, lo expresan todo, y se ayudan con la forma de la boca, los hombros y la silueta general. Eso en cuanto a animar un personaje, si dices “crear”, en el sentido de diseño, pues saber observar la vida, la forma que tiene la gente de expresarse, de moverse, de vestir, de mover las manos y el cuerpo. La memoria visual es también muy importante, el recordar cómo se comportaba alguien, o los rasgos de esa persona para poder llevarlos a cabo en el medio que estemos usando en ese momento. Sobre todo, lo que hagamos debe ser creíble, no estereotipado, y para hacer eso, debemos crear paradojas, absurdos, opuestos, en definitiva, contraste en el personaje.
¿Debería existir alguna diferencia entre la formación actoral para un actor y para un animador?
No. Lo que cambia es la técnica que la expresa, es decir, cine, teatro, caricatura, escritura, danza, mimo… Básicamente siempre consiste en sentir algo —tener una opinión— y compartir ese sentimiento con la audiencia y que se vea en pantalla, que no quede emparedado o escondido en la acción. Hoy por hoy, debido a las restricciones de las técnicas de captura, parece que hay que exagerar sí o sí, y suele haber un departamento de animación que exagera las curvas de captura para que se lea más la actuación del actor de mocap en pantalla. Aunque después de ver “The BFG”, me pregunto si esto es todavía cierto, o la técnica de captura es mucho más precisa.
¿Crees que hay algún tipo de actuación que podría resultar más útil al animador?
Sería útil que aprendiera otras formas de expresión además de la comedia, que es en lo que parece basarse la animación generalmente hoy en día, pero ¿tipo de actuación?… pues si la hiciera él, un ejercicio muy estimulante y divertido es el hacer improvisación, porque te obliga a escuchar al otro antes de hacer lo tuyo, y a ser imaginativo en el momento, cosa que tampoco hacemos en la vida, pero en general, veo tantos clichés en la animación actual, que a veces me parece que no hay solución. Sólo cuando veo capturas de movimiento basadas en las expresiones de algún actor, es cuando veo actuación en “animación” sin estereotipos. Es una pena que eso no ocurra en la animación 3D, porque los estereotipos aún siguen siendo suficientes para contar la historia. Pero son aburridos. Todavía espero poder ver una actuación magistral en animación algún día. El animador que lo consiga, será en nuevo Mago de Oz. La actuación en animación es estereotipada, ¿quién la desestereotipará?. El animador que la desestereotipe…
¿Sería útil que en su formación como actor el animador se enfrentase a un público como en una representación teatral?
Buena pregunta… Creo que sí, porque racionalizamos demasiado la actuación en privado, y al hacer eso, la hacemos mecánica y cliché, no es fresca y misteriosa, impredecible e incontrolable. En animación tendemos a controlar todo, incluída la actuación. Todo el mundo actúa más o menos igual en animación… exagerando, haciendo siempre los mismos gestos. Muchas veces no disfruto las películas de animación porque sé lo que van a hacer los personajes en cada momento. Pocas veces me sorprenden. En cambio, si nos forzamos a actuar en público, a no ser que caigamos en error de volvernos conscientes de nosotros mismos, lo más probable es que entremos en una especie de ensoñación de la que despertamos al final de la actuación. Eso es lo que hacen los buenos actores. No quiero decir que estén drogados, ya que prestan atención, pero no a ellos mismos… sino a la situación y a los otros personajes, y se quitan de en medio para que su cuerpo y su mente actúen en consecuencia con lo que sienten, sorprendiéndoles a ellos mismos. Es una catarsis muy interesante, que toda persona viva debiera experimentar alguna vez.
¿Dónde está el límite de la caricaturización de los personajes sacrificando el naturalismo que tendríamos en la interpretación de una película de imagen real u obra de teatro?
No hay que caricaturizar a no ser que estemos interpretando una comedia, o el papel requiera una caricaturización en un momento dado. Lo que hay que hacer es…. Nada. Sí, nada. Apenas nada. Que el cuerpo del personaje, tanto en pose como en acciones exprese en todo momento lo que el personaje siente… pero haciendo lo mínimo. Es muy simple. Muy difícil de hacer para un animador, pero los actores que exageran, —de nuevo, a no ser que hagan comedia—, no saben que no tienen que hacer el trabajo por el espectador, sino que lo que tienen que ser es una pantalla donde el espectador proyecte sus emociones, sugeridas por el guión. Las mejores actuaciones que he visto, suelen ser minimalistas, no exageradas.
¿Crees que un personaje animado puede lograr una interpretación contenida y que consiga transmitir las emociones claramente?
Perfectamente. Los pingüinos en Happy Feet lo hacían y le ganamos el Óscar a Pixar. —Aunque los premios en realidad no signifiquen nada—. El corto “Geist” de Giant Animation Studios, enseña personajes caricaturizados con una animación muy contenida y realista.
¿Consideras que el animador tiene una tendencia habitual a exagerar demasiado en sus acting?
Sí, porque seguimos viviendo en la creencia de que la animación es exageración, y no es así. En los tiempos del 2D, la única herramienta que teníamos para expresar emociones era la línea, y era una herramienta bastante limitada, con lo que había que exagerar para que pudieran apreciarse las emociones más sutiles. Pero ahora estamos en la era del 3D, moviendo volúmenes con texturas, que hacen que el cerebro humano perciba los más mínimos cambios de expresión, y no hace falta seguir reglas medievales. Si se siguen, por ejemplo en el caso de Hotel Transilvania, es porque sirven un propósito de comedia, no porque haya que hacerlo siempre así. La película Francesa “La tortuga Roja”, no necesita ese tipo de actuación, debido a que la historia es más dramática, aunque tenga momentos cómicos… pero no es una comedia. Es importante recordar que el cine de animación es una técnica, y que han de emplearse los recursos de esa técnica en los momentos adecuados al tipo de historia que se quiere contar. La pena es que la estamos haciendo un género, abusando de la creencia de que la animación es exageración y que es para niños. Nada más lejos de la realidad.

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¿Crees que en el cine de animación actual se da mucha importancia al acting?
Eso es lo que los directores y animadores creen, pero siguen cayendo en los mismos estereotipos de exageración una y otra vez. No hay más que ver personajes que tienen actores detrás, como Gollum o los monos del “Planeta de los Simios”, o King Kong, que se come en acting a los actores reales, para darse cuenta de que no hay que exagerar, sino elegir la actuación más adecuada a la escena y a lo que tiene que expresar el personaje en ese momento. Por ejemplo, un actor real tiene capas. Puede que esté riendo por fuera, pero se le nota que está conteniendo amargura o tristeza por debajo. ¿Recuerdas algún personaje animado que haga eso exitosamente y sin exagerar? ¿Hay algún equivalente en animación a Dustin Hoffman, Kevin Spacey o a Tom Hardy, a Betty Davis, Audrey Hepburn o Diane Lane? Mira que digo nombres… ¿Hay UNO SOLO en animación? Gollum casi fue uno.
Es evidente que no existe un truco infalible para resultar expresivo ante la cámara, pero, ¿qué ejercicios relacionados con la interpretación recomendaría a los animadores?
Que cuando escuchen el diálogo de su personaje y se filmen como referencia, no hagan lo primero que les venga a la cabeza. Que salten, jueguen, corran, hagan ejercicio, salten a la comba —en serio—, antes de ponerse a actuar, de manera que se sientan más sueltos, más en su cuerpo y menos en sus cabezas. Que no estén conscientes de ellos mismos. Que haga completamente algo diferente a lo que escuchan en el diálogo, aunque parezca que no funciona. Que se imaginen qué miedos o problemas lleva el personaje por dentro de los que no habla. Hoy en día no es difícil actuar para animación, porque los directores siguen pidiendo más de lo mismo, que lo que siempre se ha hecho. No se arriesgan. NO dejan que sea el animador el que explore el personaje, como hace un actor. En muchas ocasiones, no se suele dar secuencias enteras a un animador, o un personaje único como en el pasado. Últimamente, todo el mundo hace de todo, y eso me parece un error. Hay que hacer casting de animadores como se hace de actores. Hay animadores mejores en comedia y otros en mecánica o accióon, otros en primeros planos o actuación dramática. Les recomendaría que estudiaran actuación, no sólo que interpretaran, sino que estudiaran la forma de actuar de actores que les hayan impresionado. Que descubran porqué. Que intenten actuar con capas, es decir, que estén diciendo un diálogo tristes, aunque por dentro estén contentos, y que se note, o viceversa. Para animadores 2D y 3D, un ejercicio brutal es el coger cualquier personaje de animación conicido, y moverle y hacerle actuar como otro también conocido, y ver si los demás descubren quién es. Pero sin exageraciones, porque entonces se hace más evidente.
¿Cuál es el error más común que cometen los animadores a la hora de dar vida a un personaje?
Sentarse a animar antes de haber digerido, pensado, de haberse metido, explorado el personaje. Entiendo que las demandas de producción hacen que parezca que no se tiene tiempo para terminar el plano, con lo que es mejor empezar cuanto antes. Conozco grandes animadores que hacen eso y también lo contrario… pero suelen ser mejores los que se lo piensan, se toman su tiempo, exploran posibilidades en su mente, o en un papel. Muchos hacen no sólo bosquejos sino animaciones completas en 2D antes de terminarlas en el ordenador. Creo que cualquier cosa que nos ayude a llegar a la perfección es legítima. Como dibujar en la pantalla con un rotulador seco, cosa que fue común cuando yo empecé, pero los técnicos se quejaban de que ensuciábamos las pantallas, con lo que se usaron acetatos que colgaban frente a la pantalla para dibujar sobre la pose 3D y descubrir sus límites. El dibujo es más intuitivo y suelto que el mover todos esos controles de animación con ventanas y menús. Otro error común es el hacer lo primero que les viene a la mente. Creo que debieran de tomar clases de actuación, o se basarse en un actor para hacer sus animaciones. Otro error es el no ver los estereotipos más usados en la animación en los últimos 10 años… el tocarse la cabeza, el enseñar las palmas de las manos y el apuntar con el dedo. Creo que ya va siendo hora de pasar a la siguiente fase y dejar la actuación de vodeville.
¿Podrías contarnos alguna anécdota o experiencia personal relacionada con la interpretación o creación de personajes?
Me contrataron en Happy Feet para una secuencia de leones marinos que George Miller se estuvo pensando si poner o quitar de la película durante un año. Mientras, estuve animando pinguinos, y la foca tigre. Cuando quedaba un mes para terminar la producción, el productor me dijo que si era capaz de animar a 4 leones marinos en unos 10 planos en ese mes, la secuencia se ponía en la película y si no, se quitaba. Aunque tuve ayuda de algunos animadores, sabiendo que George era un director de iamgen real, y que exigía mil variaciones de actuación, que eran imposibles de hacer en el tiempo que tenía, decidí actuar delante de la cámara todo el diálogo de los leones marinos. Acabé hasta con 40 versiones diferentes de cada uno, que tuve que reducir a 20 por el limitado tiempo que George tenía de verlas. Cuando al fin lo hizo, una mañana, y eligió las tomas que le gustaban, me ofreció aparecer como actor en Fury Road porque quedó impresionado con mi actuación. Nunca olvidaré estar en la habitación con él, mirar hacia atrás y tras la puerta abierta, ver a todo el estudio mirando la pantalla. Fue la prueba de casting más maravillosa que he tenido. Ahí, me pensé seriamente hacerme actor. Otra anécdota fue haciendo Metegol. Me dieron el personaje del mánager, el que entrena al villano futbolista Grosso. Me resultó curioso que ese personaje tuviera tanta rabia dentro como para entrenar a otro para que cometiera sus fechorías, y ví en las paredes de los diseñadores de la película el dibujo de una foto que pasa desapercibido en la película. El manager cuando era joven, pertenecía a un equipo de fútbol. Inmediatamente, me vino a la cabeza —debido también a la gordura del personaje— el que cojeara. Tuvo un accidente que le impidió seguir en el fútbol, por eso entrena al Grosso, para que haga lo que él no pudo. Tiene sentido. Por supuesto, le pregunté al director Campanella, que lo aprobó inmediatamente. Le encantó la idea. El manager no cojeaba antes de mí. Pero ahora tenía más sentido, y creo que ese tipo de detalles son los que tejen personajes más complejos, porque tienen un pasado que determina su presente y su futuro.
¿Cuál ha sido tu experiencia en animación más satisfactoria o el trabajo del que te sientes más orgulloso?
Siempre digo que todas, porque tanto malas como buenas, todas fueron experiencias en las que aprendí algo, pero en particular Sebulba, Hulk, y los lobos de Eclipse, por mil razones que desconocéis y no vienen al caso. Estuve muy orgulloso del trabajo que hice en la previsualización para Van Helsing cuando las novias vampiro atacan el poblado, pero luego los animadores no siguieron mis directrices, con lo que las poses y las animaciones se perdieron completamente. Una pena, porque animé poses estilo esculturas clásicas renacentistas. A veces, la animación es muy frustrante, cuando ves que algo que has hecho bien, termina en pantalla peor. Pero creo que el trabajo que más me enorgullece fue el que hicieron mis animadores en un tiempo imposible y con presupuesto imposible en Ghosthunters on Icy trails, por el que recibimos una nominación al premio IFTA Irlandés. Crearon un personaje que se come la película. Literalmente. Y también de mi participación voluntaria ayudando a Carlos Baena en su corto “La Noria”, del que espero se oiga hablar largo y tendido dentro de poco. Cuando no disfrutamos con lo que hacemos, es mejor que nos preguntemos qué falla… si lo hacemos porque realmente queremos o es porque no hemos encontrado nuestra razón para hacerlo. Yo no puedo trabajar sin una razón, sin algo que me motive. Cuando lo hago, el resultado no es bueno. Cuando disfruto, se nota en pantalla, y espero que el espectador también lo disfrute, aunque sea inconscientemente. Para el poco tiempo que tenemos aquí, mejor disfrutar lo que hacemos. No hay otra opción.

Un millón de gracias a Miguel Angel por dedicarnos estas palabras tan sinceras y emocionantes. Es momento de que la industria conozca y ponga en práctica la importancia de la actuación en la animación. El animador necesita herramientas interpretativas puesto que éste se convierte en un actor desde el mismo momento en que inicia el complicado camino de construir un personaje y darle vida. 

ANIMACTING: Taller de acting para animadores en Madrid

Nuestro proyecto de acting para animadores, Animacting, viaja hasta Madrid para realizar un taller intensivo de 12 horas el próximo mes de enero.

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CONVOCATORIA:

Lugar: Espacio en blanco (C/ Mira el sol, 5-7, Madrid)

Fecha: Sábado 21 y domingo 22 de enero de 2017.

Horario:  Sábado de 10 a 14h y de 15 a 19h. Domingo de 10 a 14h.

Si deseas recibir más información sobre este taller de Acting para animadores, envíanos un mail a mosteatre@gmail.com

10% DESCUENTO si realizas la inscripción al taller antes del 31 de diciembre.

 

¿Qué es ANIMACTING?

Mos Teatre ha creado el proyecto Animacting, un programa formativo específico para animadores en el que podrán encontrar las herramientas necesarias para enfrentarse a un personaje o situación desde las claves de un actor mediante la conciencia corporal y expresiva, para que más tarde puedan trasladar ese trabajo al ordenador.

El aprendizaje es eminentemente práctico y tratará de acercarse a los conceptos básicos e imprescindibles de la actuación. El planteamiento fundamental de la formación será incidir en el trabajo en grupo para poder colaborar entre todos y ayudarse unos a otros.

ANIMACTING: Entrevista al animador Doron Meir

Doron Meir lleva más de diez años investigando y enseñando sobre el proceso creativo en el mundo de la animación. Meir, además de ilustrador, diseñador, autor y animador, también ha dirigido varios trabajos para televisión y ha formado parte del equipo creativo en distintos proyectos como Astérix y los vikingos, El Correcaminos, La casa de Mickey Mouse o La oveja Shaun. Actualmente, es el director del departamento de guión en DHX Media, Canadá. También es responsable del inspirador blog: The Creative Process (lo podéis seguir también en su página de Facebook).

Hace poco contactamos con él para que nos regalase unas palabras sobre la importancia de la actuación en la animación a propósito de nuestro programa formativo de acting para animadores Animacting, os dejamos la entrevista:

¿Cómo entraste en el mundo de la animación?
Mi padre tenía esos populares cuadernos de Walter Foster y Preston Blair, y de niño solía copiar sus dibujos. Al crecer, casi se me olvidó todo – hasta que con 20 años vi Aladdin. No se me borró la sonrisa durante tres días, y fui a verla dos veces más. Después, no podía pensar en nada más. Estaba enganchado. Cogí esos viejos cuadernos de nuevo y empecé a practicar, y después de un año de dibujar sin parar, me encontré con un curso nocturno de solo 13 clases en un estudio en Israel. Me lo tomé tan en serio que cuando lo terminé me ofrecieron un trabajo en el estudio. Y desde entonces no he hecho otra cosa.

 

¿Por qué crees que la actuación es tan importante en la animación?

Creo que una buena actuación es uno de los aspectos más importantes y gratificantes de cualquier película, sea animación o acción real. En general, es importante en todas las películas.

¿Qué herramientas expresivas deben tener los animadores al crear a un personaje?

Yo diría que principalmente dos: (1) acostumbrarse a trabajar con simbología visual – por ej. capturar una emoción con una forma visual lo más simple posible; y (2) entender la anatomía facial, para que así tengas un vocabulario facial amplio con el que trabajar, y poder crear formas más creativas/imaginativas y sutiles.

¿Deberían los animadores formarse en interpretación?

¡Absolutamente! Yo hice un curso de interpretación, fue una de las mejores experiencias de mi vida y muy  educativa. Lo más importante que me enseñó es a que no me importara hacer el ridículo. Los animadores necesitan soltarse, en mi opinión.

¿Debería haber alguna diferencia en la formación actoral para convertirse en actor y la formación actoral para convertirse en animador?

No estoy seguro. Si tuviera que apostar por algo, probablemente lo enfocaría más a la improvisación y la pantomima y menos en el texto. Pero no creo que los animadores necesiten ser actores completos. Familiarizarte con la actuación, y tal vez estar en un escenario en frente de un público en directo un par de veces, es todo lo que necesitas.

¿Dónde está el límite entre la caricaturización de los personajes contra sacrificar el naturalismo del cine de acción real?

No sé si hay una respuesta a eso… realmente depende de la historia concreta que intentes contar. Creo que lo más importante a lo que se debería aspirar es la credibilidad. Los Teleñecos, son tan simples, y sin embargo no puedo evitar imaginarme a Gustavo como una persona. Luego tienes personajes como Bambi, tan sutiles y reales que casi parece un documental…y eso funciona también, para ESA historia. Mientras consigas que el público crea en tu personaje como una criatura viviente con una mente propia, yo diría que estás en el buen camino.

¿Crees que en la industria de la animación actual la actuación es tan apreciada como lo estaba en la Edad de Oro? (El Libro de la Selva de Disney, etc)?

Sí, diría que sí lo es. Hace 15 años no pensaba lo mismo. Creo que la industria (especialmente la del 3D) ha sufrido una evolución muy grande en la última década.

Está claro que no hay truco infalible a la hora de ser expresivo en cámara, pero ¿qué ejercicios relacionados con la actuación recomendarías a los animadores?

Diría que simplemente aprender a relajarse, soltarse. Haced algunos ejercicios de improvisación, trabájalo con amigos. No te preocupes por hacer el ridículo. Haz el tonto y no te preocupes por lo que piensen los demás. Esto lleva tiempo y práctica, pero ES algo en lo que puedes mejorar. También si vas a grabarlo como referencia tómate algunos minutos para hacer tonterías y soltarte antes de darle al botón de grabar. Y hazlo muchas veces.

¿Cuál es el error más común cuando los animadores dan vida a un personaje?

Diría que los errores más comunes, o el que más me molesta, es usar los brazos y manos demasiado y olvidarse de utilizar todo el cuerpo como forma. Vuelvo a esa idea del simbolismo que mencioné antes.

Como profesional del 2D y 3D, ¿qué técnica (3D o 2D) crees que dá más énfasis a la actuación? ¿Hay alguna diferencia en la actuación en esos dos diferentes medios?

El 3D te da más control. Puedes trabajar por pases y refinar cada expresión hasta un grado que no es posible en la animación tradicional. El precio que pagas por ello es la flexibilidad: sólo puedes hacer lo que el Rig y el software te permiten hacer. Sin embargo, ambas cosas están cambiando. Harmony (un software de 2D basado en el vector) ahora ofrece a los animadores 2D un alto nivel de control, con toda la flexibilidad del 2D tradicional. Al mismo tiempo, las herramientas de la animación 3D son cada vez más y más sofisticadas, dando a los animadores un nivel de control que solo podían imaginar hace 10-20 años. Incluso la animación stop-motion cada vez está más tecnológicamente desarrollada y da a los animadores más control (me han contado que han hecho unas cosas muy interesantes en Laika con su nueva película Kubo). Así que todo está evolucionando. Es muy emocionante.

¿Cuál ha sido tu experiencia más gratificante en animación o la película de la que estás más orgulloso?

Acabo de terminar de trabajar en el nuevo largometraje de My Little Pony, como Head of Story (Director del Departamento de Guión). Me lo pasé en grande ayudando al director Jayson Theissen y a los guionistas a dar forma a la historia. Los artistas que hicieron el storyboard hicieron un gran trabajo, y el equipo de animación está haciendo cosas fantásticas. Estoy deseando ver el resultado final. Creo que será muy gratificante.

English:

How did you get into animation?
My dad had those famous Walter Foster/Preston Blair booklets, and as a kid I used to copy those drawings. Growing up, I pretty much forgot all about it – until I was 20 and watched Aladdin. Could not get the smile off my face for 3 days, and I went to see it 2 more times. After that, I couldn’t think of anything else. I was hooked. I took those old booklets again, started to practice, and after about a year of just drawing and drawing, I found a night time course (just 13 lessons) in a studio in Israel. I took it so seriously, that when it ended they offered me a job at the studio. And I’ve been in animation ever since.

Why do you think acting is so important in animation?
I think good acting is one of the most important and rewarding aspects of any film, animation or not. I wouldn’t say it’s more important in animation than in Live Action. It’s just important in movies in general.

What expressive tools should have animators when creating a character?
I would say two main things: (1) getting used to working with visual symbolism – i.e. capture a feeling with a visual shape that it as simple as possible; and (2) understanding facial anatomy, so that you have an wide facial “vocabulary” to work with and creating creative and subtle shapes.

Should animators be trained in acting?
Absolutely! I took an evening course in acting, it was (A) one of the best times of my life, and (B) very educational. The most important thing it taught me was not to be afraid of making a fool out of myself. Animators need to loosen up, in my opinion.

Should there be any difference between acting training to become an actor and acting training to become an animator?
I’m not sure. If I had to take a guess, I would probably focus more on improvisation and pantomime and less on textual stuff. But I don’t think animators need to be full-fledged actors. Getting yourself familiarized with acting, and mabye being on stage in front of a live audience a couple of times, is really all you need.

Where is the limit in the caricaturization/characterization of characters vs sacrificing the naturalism in a live action film or theatre play?
I don’t know that there’s a real answer to that… it really depends on the specific story you’re trying to tell. I would say believability is the thing to go for. The Muppets are SO simple and yet I can’t imagine Kermit not being an actual person. Then you have stuff like Bambi, so nuanced and real it almost feels like a documentary… and that works too, for THAT story. As long as you get the audience to believe in your character as a living breathing thing with a mind of his/her own, I’d say your’e good.

Do you think that in the current animation film industry acting is as much appreciated as it was in the Golden Age (Disney’s Jungle Book, etc )?
Yes, I would say it is. 15 years ago I did not feel the same way. I think the industry (3D especially) made some huge leaps in that area over the last decade.

It´s clear that there is no infallible trick to be expressive on camera, but what exercises related to interpretation would you recommend animators?
If I understand the question correctly, I would say probably just learn to loosen up. Do some improv exercises, work with friends. Don’t worry about making a fool out of yourself. Be silly and don’t worry about what others think. This takes time and practice, but it IS something you can get better at. Also, if you’re recording reference, take a few minutes to just do stupid stuff and loosen up before pressing REC. And do it many times.

What is the most common mistake when animators give life to a character?
I would say the most common mistakes, or at least the one that bug me the most, is using the arms and hands too much and forgetting to use the entire body as a shape. It goes back to that symbolism idea I mentioned earlier.

As a 2D and 3D professional, which technique (3D or 2D) do you believe gives more emphasis to performance or acting? Is there any difference in acting in those two different mediums?
3D give you more control. You can work in passes and refine that expression to a degree not possible in traditional animation. The price you’re paying for that is flexibility: you can only do what the rig + software allow you to do.
Both of these things are changing, however. Harmony (a vector-based 2D software) now gives 2D animators a very high level of control, along with all the flexibility of traditional 2D. At the same time, 3D animation tools are getting more and more sophisticated all the time, giving animators a level of control they could only dream of 10-20 years ago. Even stop motion is getting more high-tech and giving animators more control (I hear they did some pretty interesting things at Laika with their new film, Kubo). So the whole thing is evolving. It’s pretty exciting.

What has been your most satisfying experience in animation or the film which you are most proud of?
I just finished working on the new My Little Pony feature film, as Head of Story. I had a blast helping director Jayson Theissen and the writers shape the story. The storyboard artists did a great job, and the animation team is doing some pretty amazing stuff right now. Looking forward to seeing the final result – I think it’s going to be very rewarding.