ANIMACTING: Entrevista al animador Doron Meir

Doron Meir lleva más de diez años investigando y enseñando sobre el proceso creativo en el mundo de la animación. Meir, además de ilustrador, diseñador, autor y animador, también ha dirigido varios trabajos para televisión y ha formado parte del equipo creativo en distintos proyectos como Astérix y los vikingos, El Correcaminos, La casa de Mickey Mouse o La oveja Shaun. Actualmente, es el director del departamento de guión en DHX Media, Canadá. También es responsable del inspirador blog: The Creative Process (lo podéis seguir también en su página de Facebook).

Hace poco contactamos con él para que nos regalase unas palabras sobre la importancia de la actuación en la animación a propósito de nuestro programa formativo de acting para animadores Animacting, os dejamos la entrevista:

¿Cómo entraste en el mundo de la animación?
Mi padre tenía esos populares cuadernos de Walter Foster y Preston Blair, y de niño solía copiar sus dibujos. Al crecer, casi se me olvidó todo – hasta que con 20 años vi Aladdin. No se me borró la sonrisa durante tres días, y fui a verla dos veces más. Después, no podía pensar en nada más. Estaba enganchado. Cogí esos viejos cuadernos de nuevo y empecé a practicar, y después de un año de dibujar sin parar, me encontré con un curso nocturno de solo 13 clases en un estudio en Israel. Me lo tomé tan en serio que cuando lo terminé me ofrecieron un trabajo en el estudio. Y desde entonces no he hecho otra cosa.

 

¿Por qué crees que la actuación es tan importante en la animación?

Creo que una buena actuación es uno de los aspectos más importantes y gratificantes de cualquier película, sea animación o acción real. En general, es importante en todas las películas.

¿Qué herramientas expresivas deben tener los animadores al crear a un personaje?

Yo diría que principalmente dos: (1) acostumbrarse a trabajar con simbología visual – por ej. capturar una emoción con una forma visual lo más simple posible; y (2) entender la anatomía facial, para que así tengas un vocabulario facial amplio con el que trabajar, y poder crear formas más creativas/imaginativas y sutiles.

¿Deberían los animadores formarse en interpretación?

¡Absolutamente! Yo hice un curso de interpretación, fue una de las mejores experiencias de mi vida y muy  educativa. Lo más importante que me enseñó es a que no me importara hacer el ridículo. Los animadores necesitan soltarse, en mi opinión.

¿Debería haber alguna diferencia en la formación actoral para convertirse en actor y la formación actoral para convertirse en animador?

No estoy seguro. Si tuviera que apostar por algo, probablemente lo enfocaría más a la improvisación y la pantomima y menos en el texto. Pero no creo que los animadores necesiten ser actores completos. Familiarizarte con la actuación, y tal vez estar en un escenario en frente de un público en directo un par de veces, es todo lo que necesitas.

¿Dónde está el límite entre la caricaturización de los personajes contra sacrificar el naturalismo del cine de acción real?

No sé si hay una respuesta a eso… realmente depende de la historia concreta que intentes contar. Creo que lo más importante a lo que se debería aspirar es la credibilidad. Los Teleñecos, son tan simples, y sin embargo no puedo evitar imaginarme a Gustavo como una persona. Luego tienes personajes como Bambi, tan sutiles y reales que casi parece un documental…y eso funciona también, para ESA historia. Mientras consigas que el público crea en tu personaje como una criatura viviente con una mente propia, yo diría que estás en el buen camino.

¿Crees que en la industria de la animación actual la actuación es tan apreciada como lo estaba en la Edad de Oro? (El Libro de la Selva de Disney, etc)?

Sí, diría que sí lo es. Hace 15 años no pensaba lo mismo. Creo que la industria (especialmente la del 3D) ha sufrido una evolución muy grande en la última década.

Está claro que no hay truco infalible a la hora de ser expresivo en cámara, pero ¿qué ejercicios relacionados con la actuación recomendarías a los animadores?

Diría que simplemente aprender a relajarse, soltarse. Haced algunos ejercicios de improvisación, trabájalo con amigos. No te preocupes por hacer el ridículo. Haz el tonto y no te preocupes por lo que piensen los demás. Esto lleva tiempo y práctica, pero ES algo en lo que puedes mejorar. También si vas a grabarlo como referencia tómate algunos minutos para hacer tonterías y soltarte antes de darle al botón de grabar. Y hazlo muchas veces.

¿Cuál es el error más común cuando los animadores dan vida a un personaje?

Diría que los errores más comunes, o el que más me molesta, es usar los brazos y manos demasiado y olvidarse de utilizar todo el cuerpo como forma. Vuelvo a esa idea del simbolismo que mencioné antes.

Como profesional del 2D y 3D, ¿qué técnica (3D o 2D) crees que dá más énfasis a la actuación? ¿Hay alguna diferencia en la actuación en esos dos diferentes medios?

El 3D te da más control. Puedes trabajar por pases y refinar cada expresión hasta un grado que no es posible en la animación tradicional. El precio que pagas por ello es la flexibilidad: sólo puedes hacer lo que el Rig y el software te permiten hacer. Sin embargo, ambas cosas están cambiando. Harmony (un software de 2D basado en el vector) ahora ofrece a los animadores 2D un alto nivel de control, con toda la flexibilidad del 2D tradicional. Al mismo tiempo, las herramientas de la animación 3D son cada vez más y más sofisticadas, dando a los animadores un nivel de control que solo podían imaginar hace 10-20 años. Incluso la animación stop-motion cada vez está más tecnológicamente desarrollada y da a los animadores más control (me han contado que han hecho unas cosas muy interesantes en Laika con su nueva película Kubo). Así que todo está evolucionando. Es muy emocionante.

¿Cuál ha sido tu experiencia más gratificante en animación o la película de la que estás más orgulloso?

Acabo de terminar de trabajar en el nuevo largometraje de My Little Pony, como Head of Story (Director del Departamento de Guión). Me lo pasé en grande ayudando al director Jayson Theissen y a los guionistas a dar forma a la historia. Los artistas que hicieron el storyboard hicieron un gran trabajo, y el equipo de animación está haciendo cosas fantásticas. Estoy deseando ver el resultado final. Creo que será muy gratificante.

English:

How did you get into animation?
My dad had those famous Walter Foster/Preston Blair booklets, and as a kid I used to copy those drawings. Growing up, I pretty much forgot all about it – until I was 20 and watched Aladdin. Could not get the smile off my face for 3 days, and I went to see it 2 more times. After that, I couldn’t think of anything else. I was hooked. I took those old booklets again, started to practice, and after about a year of just drawing and drawing, I found a night time course (just 13 lessons) in a studio in Israel. I took it so seriously, that when it ended they offered me a job at the studio. And I’ve been in animation ever since.

Why do you think acting is so important in animation?
I think good acting is one of the most important and rewarding aspects of any film, animation or not. I wouldn’t say it’s more important in animation than in Live Action. It’s just important in movies in general.

What expressive tools should have animators when creating a character?
I would say two main things: (1) getting used to working with visual symbolism – i.e. capture a feeling with a visual shape that it as simple as possible; and (2) understanding facial anatomy, so that you have an wide facial “vocabulary” to work with and creating creative and subtle shapes.

Should animators be trained in acting?
Absolutely! I took an evening course in acting, it was (A) one of the best times of my life, and (B) very educational. The most important thing it taught me was not to be afraid of making a fool out of myself. Animators need to loosen up, in my opinion.

Should there be any difference between acting training to become an actor and acting training to become an animator?
I’m not sure. If I had to take a guess, I would probably focus more on improvisation and pantomime and less on textual stuff. But I don’t think animators need to be full-fledged actors. Getting yourself familiarized with acting, and mabye being on stage in front of a live audience a couple of times, is really all you need.

Where is the limit in the caricaturization/characterization of characters vs sacrificing the naturalism in a live action film or theatre play?
I don’t know that there’s a real answer to that… it really depends on the specific story you’re trying to tell. I would say believability is the thing to go for. The Muppets are SO simple and yet I can’t imagine Kermit not being an actual person. Then you have stuff like Bambi, so nuanced and real it almost feels like a documentary… and that works too, for THAT story. As long as you get the audience to believe in your character as a living breathing thing with a mind of his/her own, I’d say your’e good.

Do you think that in the current animation film industry acting is as much appreciated as it was in the Golden Age (Disney’s Jungle Book, etc )?
Yes, I would say it is. 15 years ago I did not feel the same way. I think the industry (3D especially) made some huge leaps in that area over the last decade.

It´s clear that there is no infallible trick to be expressive on camera, but what exercises related to interpretation would you recommend animators?
If I understand the question correctly, I would say probably just learn to loosen up. Do some improv exercises, work with friends. Don’t worry about making a fool out of yourself. Be silly and don’t worry about what others think. This takes time and practice, but it IS something you can get better at. Also, if you’re recording reference, take a few minutes to just do stupid stuff and loosen up before pressing REC. And do it many times.

What is the most common mistake when animators give life to a character?
I would say the most common mistakes, or at least the one that bug me the most, is using the arms and hands too much and forgetting to use the entire body as a shape. It goes back to that symbolism idea I mentioned earlier.

As a 2D and 3D professional, which technique (3D or 2D) do you believe gives more emphasis to performance or acting? Is there any difference in acting in those two different mediums?
3D give you more control. You can work in passes and refine that expression to a degree not possible in traditional animation. The price you’re paying for that is flexibility: you can only do what the rig + software allow you to do.
Both of these things are changing, however. Harmony (a vector-based 2D software) now gives 2D animators a very high level of control, along with all the flexibility of traditional 2D. At the same time, 3D animation tools are getting more and more sophisticated all the time, giving animators a level of control they could only dream of 10-20 years ago. Even stop motion is getting more high-tech and giving animators more control (I hear they did some pretty interesting things at Laika with their new film, Kubo). So the whole thing is evolving. It’s pretty exciting.

What has been your most satisfying experience in animation or the film which you are most proud of?
I just finished working on the new My Little Pony feature film, as Head of Story. I had a blast helping director Jayson Theissen and the writers shape the story. The storyboard artists did a great job, and the animation team is doing some pretty amazing stuff right now. Looking forward to seeing the final result – I think it’s going to be very rewarding.

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